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martedì 8 gennaio 2019

Il fiume carsico e la meraviglia

Maria Stefania Fuso e la sua ricerca pittorica

Maria Stefania Fuso
 
La scuola, la laurea in architettura, il lavoro. Questa la strada voluta e percorsa con grande dedizione e affetto. Ma ce n'era un'altra che, come un fiume carsico, scorreva dentro di lei. Poi arrivò la libertà, il tempo per disporre di sé e finalmente percorrere quelle gallerie scavate dal fiume sotterraneo. E' stato un viaggio pieno di sorprese e meraviglie quello percorso da Stefania in questi suoi anni recenti, un viaggio fatto su una barca di colori con i pennelli come remi o le matite come maschera e pinne.
I primi quadri esposti anni or sono a Palazzo Trinci avevano infatti la trasparenza dell'acqua e tinte lacustri. Vi erano immagini di donne che si affacciavano sorprese alla vita, con occhi stupiti davanti a misteri ancora da conoscere e da svelare. Donne che, nella successiva mostra di Spoleto, avevano una nuova sicurezza e fascino. (Qui se ne possono vedere alcune.) Grandi cappelli fanno da corona ai loro visi, la sfera della loro coscienza si espande in quelle ampie aree luminose come in questo "Vestita di cielo". Richiamano le aureole dei quadri del '400, preziose e d'oro che significavano la luce divina. Queste hanno una luce umana ma che raccoglie il volo delle rondini e dei gabbiani in spazi sempre più alti.

Maria Stefania Fuso



Ma poi Stefania ha ripreso il viaggio nelle grotte dell'anima, perché più in basso e in profondità voleva cercare le radici dell'esistere e del sentire. Il prima. Il punto più antico e profondo cui poter arrivare per esprimerlo.Qui le parole si sgretolano in suoni non più articolati, quelli di emozioni inesprimibili se non con colori e spesso con materiali come sabbia e più lontani dall'accademia e dai libri. Un quadro ha per titolo "Big bang" dove sembra proprio che materia si espanda senza ordine, e i due quadri "Magma" danno il senso di un ribollire di materia incandescente.

Maria Stefania Fuso



Nel suo "viaggio al centro della terra" la pittrice è giunta alla camera magmatica e oltre non si può andare, ma Stefania ha voluto contemplarne l'informe dinamismo e viverlo immergendovisi fino al limite della resistenza. Ché la pittura per lei è un'avventura febbrile gioiosa e dolorosa insieme, ma irrinunciabile. Una passione accettata, come l'etimologia implica, subita e vissuta come ineluttabile. E il suo cammino ha preso altre strade ma sempre verso i limiti dell'esperienza. "D'amore e d'azzurro" come pure "Tsunami" e "Mai fermare il vento" tornano nell'aria a respirare le tempeste dell'alta atmosfera dove "nullo homo vivente pò scappare".

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso

Ma vi sono anche momenti di alta contemplazione come "Volino gli uccelli sopra le acque" e "Via Lattea" dove una pace pacata fa sgorgare colori dolci alla vista e l'eternità dell'oro a chiudere l'orizzonte umano con la percezione del divino. "Le sorgenti" e "Il cantico della natura" hanno la stessa atmosfera serena di appagante contemplazione. Il verde freschissimo investito dal sole primaverile che ne accende traparenze d'incanto. Poi però "L'attrazione del tempo" è un'elegia delicata dove il velo della nostalgia appanna l'indefinibile colore del rame vecchio e lo sfrangia senza scampo.

Maria Stefania Fuso
Maria Stefania Fuso
 
Ma ruit hora, l'urgenza della ricerca del senso si somma alla sempre sconvolgente percezione della finitezza della vita e quadri come "Mai fermare il vento" e "Senza argini" sconvolgono la superficie della tela con fughe di colori e linee e spessori stravolti che non hanno inizio e fine, ma entrano correndo e correndo escono dallo spazio definito del quadro. Così pure è drammatico "L'attesa della pace" dove la disturbante strisciata di rosso nella fuga degli eventi parla di sangue e violenza.

Maria Stefania Fuso
Maria Stefania Fuso
  
Scelgo "E poi l'azzurro" per concludere il mio viaggio nella ricerca pittorica di Stefania Fuso perché qui, negli spessori densi e bui sovrapposti l'uno all'altro, si scoprono spazi preziosissimi di un blu oltremare che pone un obiettivo felice in fondo a questa tempestosa avventura. Un colore che, come l'oro, veniva pagato a parte ai pittori di soggetti sacri dove però non poteva mai mancare, perché parla al cuore di futuro e di spazi spirituali e di riscatto da condizioni di buio e sofferenza. Di gioia pura.

Maria Stefania Fuso

 
 
Presentazione della mostra all'ex Teatro Piermarini, Foligno, novembre 2018  
(video di Alessandro Mastrini)

*   *   *

The Underground River and the Wonder
 
Maria Stefania Fuso and her pictorial research


The school, the degree in architecture, the work. This is the road desired and travelled with great dedication and affection. But there was another that, like an underground river, flowed inside her. Then came freedom, time to dispose of herself and finally travel those tunnels dug by the underground river. It has been a journey full of surprises and wonders that Stefania travelled in these recent years, a journey made on a boat of colours with brushes as oars and pencils as a mask and fins.
The first paintings exhibited years ago at Palazzo Trinci had in fact the transparency of water and lake colours. There were images of women who were surprised at life, with eyes astonished before mysteries yet to be known and unveiled. Women who, in the subsequent exhibition in Spoleto, had a new security and charm. (Here you can see some.) Large hats are the crown of their faces, the sphere of their consciousness expands in those large areas of light like this "
Dressed in Heaven". They recall the haloes of the 15th century paintings, precious and golden which meant divine light. These have a human light which collects the flight of swallows and seagulls in ever higher spaces.

But then Stefania resumed her journey in the caves of the soul, because deeper and deeper she wanted to look for the roots of existence and of feeling. The most ancient and profound point where you can arrive to express it. Here words crumble into sounds no longer articulated, those of emotions inexpressible if not by colours and often with materials like sand and others more distant from the academy and books. A painting has the title "
Big Bang" where it seems that matter expands without order, and the two paintings "Magma" give the sense of the bubbling of incandescent matter.

In her "
Journey to the Center of the Earth" the painter has reached the magma chamber and beyond itshe can not go, but Stefania wanted to contemplate its shapeless dynamism and live it immersing herself up to the limit of resistance. Because painting for her is a feverish joyful and painful adventure, but indispensable. An accepted passion, as etymology implies, suffered and lived as ineluctable. And her research has taken other paths but always towards the limits of experience. "Love and Blue" as well as "Tsunami" and "Never Stop the Wind" return to the air to breathe the storms of the upper atmosphere where "nullo homo vivente pò scappare".

But there are also moments of high contemplation like "
Let the Birds Fly over the Waters" and "Milky Way" where a quiet peace makes sweet colours flow out of sight and the eternity of gold closes the human horizon with the perception of the divine . "The sources" and "The Song of Nature" have the same serene atmosphere of satisfying contemplation. A fresh green is invested by the spring sun that illuminates enchanting trajectories. Then, however, "The Attraction of Time" is a delicate elegy where a veil of nostalgia tarnishes the indefinable colour of old fraying copper without any escape.

But
ruit hora, the urgency of the search for meaning is added to the always shocking perception of the finiteness of life and paintings like "Never Stop the Wind" and "Without Banks" upset the surface of the canvas with escapes of colours and distorted lines that  have no beginning or end, but they enter running and running go out of the defined space of the canvas. Likewise, the "Wait for peace" is dramatic, where the disturbing streak of red in the flight of events speaks of blood and violence.

I choose "
And Then the Blue" to conclude my journey in the pictorial research of Stefania Fuso because here, in the thick and dark layers superimposed one to the other, you will discover very precious spaces of an ultramarine blue that places a happy goal at the bottom to this stormy adventure. A color that, like gold, was paid separately to the painters of sacred subjects where, however, it could never be lacking, because it speaks to the heart about future and spiritual spaces and redemption from conditions of darkness and suffering. About pure joy.

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso

Rita Castigli

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso con Rita Castigli

Rita Castigli

Rita Castigli

Maria Stefania Fuso con Rita Castigli

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso con Rita Castigli

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso

Maria Stefania Fuso e Rita Castigli

Maria Stefania Fuso e Rita Castigli

Maria Stefania Fuso

mercoledì 3 ottobre 2018

Un ponte tra Assisi e San Pietroburgo

Mostra d'arte internazionale a Palazzo Franchi


Svetlana Melnichenko

Ci sono luoghi dove l'armonia è nell'aria. 
Ci sono luoghi dove ogni cosa ha una storia da raccontare. 
Ci sono luoghi dove qualcuno ha lasciato eredità di gioia.
Qui nascono nuove idee che hanno l'armonia della bellezza e lo spessore del tempo.
Questo è Assisi. Non stupisce che qui molti artisti, da Giotto in poi, abbiano trovato un luogo dove dare forma alle proprie emozioni e alle proprie concezioni della vita.

Nell'Art Residence Pro Vobis ciò concretamente accade. Gli artisti si incontrano in uno spazio affettivo e ideale, ma anche fisico, in un silenzio dove il canto degli uccelli suggerisce sogni e i colli verdi a perdita d'occhio disegnano il morbido confine tra la terra e il cielo.

Qui si genera un senso di fratellanza, di superamento dei confini, nell'incontro cadono barriere linguistiche.


Svetlana Melnichenko

Nel poster della mostra la scultura di Svetlana Melnichenko ne sintetizza il senso profondo, è il ponte che unisce realtà differenti con uno slancio energico e luminoso. La bellezza dell'arcobaleno resa con la solidità del bronzo, e la luce calda dei tramonti assisani che splende nella pietra rosa del Subasio, sono il prezioso e luminoso simbolo di valori eterni.
La collaborazione e amicizia con Franco Prosperi ha messo da tempo in moto un progetto di gemellaggio fra Assisi e San Pietroburgo, già divenute sorelle e amiche in campo artistico. Anche la scultura dell'Artista assisano esprime un'energia carica di valori umani oltre che estetici nello slancio verso spazi pieni di bellezza. 
La pietra di Assisi, magnifica ma dura e ostica, è stata trascurata dagli scultori negli ultimi secoli, ma nuovamente imparare a scolpirla sarà lo scopo di corsi internazionali che la Melnichenko e Prosperi terranno presso l'Art Residence Pro Vobis per allievi e docenti dell'Accademia e scultori in genere che aggiungeranno al loro curriculum un titolo e una competenza significativi e rari.

Franco ProsperiSvetlana Melnichenko


Possiamo riconoscerci nel Francesco di Grace Barraza-Vega, ritratto quasi infantile, con le mani che accarezzano un gatto bianco; la pelle del Santo ha il colore del sole e del grano e il viso tende a tingersi del colore del cielo in una metafora dell'identità di uomo e natura. 
L'alba dalle dita di rosa accarezza il mondo, come ha fatto sempre anche molto prima del citato Omero. Il silenzio che si sprigiona dal quadro di Debbie Cannatella è quello del tempo, dove le grandi rivoluzioni non fanno rumore e ogni cosa, la casa i prati gli alberi i colli, trova posto pacificamente nello spazio infinito.

Grace Barraza-VegaDebbie Cannatella

Un profondo mistero si cela nel quadro di Claudio Carli. Il pennello lo esplora con mille e mille segni senza riuscire a svelarlo, però facendo percepire la forza della radice antica. È questa che conosce quel mistero e lo racconta nel suo linguaggio facendoci sentire i limiti del nostro.
I volumi puri di Hisu Choi ci invitano ad accarezzarli con gli occhi e a percepire con le mani la morbidezza evocata. La femminilità è portata a un'astrazione assoluta fino a diventare la genesi della vita stessa che cresce assorbendo la luce e l'aria.

Claudio Carli Hisu Choi

Nel muro antico vi sono due aperture, una angusta e bassa e una larga e alta che danno verso l'azzurro. Così Pippo Cosenza dà forma poetica e metaforica alla vita vissuta, dove nel concreto del quotidiano si danno sempre scelte possibili. Le tre figure, come una divinità tripartita, si pongono come enigmi onirici e silenti.
La razionalità di Mariette Egretau, il suo esprit de géometrie, analizza il dettaglio di una prua di barca e delle sue boe colorate, ma è il gioco dei riflessi sull'acqua che riempie la tela, il cangiante percorso dei colori sulla superficie lucida e mobile dell'acqua che richiama l'ipnotico inganno che uccise Narciso.

Pippo CosenzaMariette Egreteau

La natura morta di Luigi Frappi, nella sua perfezione e bellezza, ha la potenza di un grido. La polpa del cocomero spaccato, così lacerata, emerge da un buio metafisico raccontando di ferite ancora aperte e di solitudini innocenti e orgogliose.
Il paesaggio di Barbara Hammond, luogo roccioso e scabro, sembra tremare sotto il cielo perfettamente azzurro. Una vita profonda vi è stata infusa dalla mano appassionata dell'Artista che scolpisce il foglio con spessori dinamici di colore fino ad ottenere riverberi corruschi e misteriosi.

Luigi Frappi

Barbara Hammond

La strada metropolitana di Arnhild Kart conduce verso una destinazione ignota, bianca come il futuro sconosciuto o forse il nulla, aprendo uno squarcio tra muri di vetro altissimi e sfrecciando come la scia luminosa lasciata da una gelida cometa in fuga.
La tela di Bruno Marcelloni crea uno spazio di buio soffice e profondo. Guardandolo, si perde il senso della dimensione che potrebbe essere immensa come lo spazio cosmico nell'inseguire l'impressione di una luce arcana nascosta dentro.

Arnhild KartBruno Marcelloni

Franco Prosperi scatena la sua fantasia barocca creando sensuali volute aeree sulle quali però si appoggiano elmeenti discordi. La base fa pensare alla teca di un reliquiario antico. Ne emana un senso di sacralità, dove lo slancio vitale e fantasioso ha radici consapevolmente mistiche.

Franco Prosperi

Le nuvole di Umberto Raponi, ognuna di un colore diverso e contrassegnata da una lettera alfabetica, si fanno strada nel ritaglio del foglio rivelando la propria natura cartacea. Così i due fiammiferi accesi non sono una minaccia, essendo anch'essi parte del gioco ironico della fantasia. Quel gioco però forse nasconde una minaccia vera.
La donna che Neva Rossi dipinge è fatta solo dal colore, il suo esistere è dato dalla luce che rimbalza sulle superfici colorate. Esprime una riflessione sulla impalpabile consistenza dell'essere e sulla solidità del sogno.

Umberto Raponi

Neva Rossi

Il paesaggio nella fotografia di Christopher Ryan è così pulito e bello che sembra irreale; le ombre delle nuvole dipingono sulla terra aree di grigio e le loro candide forme fanno percorrere agli occhi l'immensità del cielo.
Anche dopo tanti anni che vive qui, il paesaggio umbro sorprende ancora Alison Ryde con la sua bellezza: la pietra e le tegole del paesino medievale arrampicato sul colle, il verde scuro del bosco, le sagome snelle dei cipressi, le chiome argentee degli ulivi. Quello in primo piano sembra una luce magica accesa sul verde fresco del prato.

Christopher Ryan

Alison Ryde 

Le larghe pennellate azzurre di Joycelyn Schedler percorrono la tela come grandi onde ma l'altissimo abete riconduce alla terra. Il blu crea profili di colli e ombre di valli su una superficie di quell'indefinibile rosa che è tipico della terra arata e asciutta e dei muri di paesi pieni di storia.
Nina Schenck condensa la sua esperienza dell'Art Residence nella scaletta del giardino. Una luce carezzevole evidenzia le pietre e i fiori e il legno del corrimano. La freschezza del lavoro fatto en plein air conserva e trasmette i profumi, i suoni e la brezza in un ricordo gioioso.

Joycelyn Schedler

 Nina Schenk


*   *   *

A Bridge between Assisi and St. Petersburg

International art exhibition at Palazzo Franchi


There are places where harmony is in the air. 
There are places where everything has a story to tell. 
There are places where someone has left a legacy of joy. 
Here new ideas are born that have the harmony of beauty and the thickness of time.
This is Assisi. No wonder that here many artists, from Giotto on, have found a place to give shape to their emotions and their conceptions of life.
At Art Residence Pro Vobis this concretely happens. The artists meet in an emotional and ideal, but also physical space, in a silence where birds' songs suggest dreams and green hills, as far as the eye can see, draw the soft border between earth and sky.
Here a sense of brotherhood is generated, of overcoming the boundaries, language barriers fall. 
In the poster of the exhibition GRAVITY, the sculpture by Svetlana Melnichenko summarizes its profound meaning, the bridge that unites different realities with an energetic and luminous impulse. The beauty of the rainbow, rendered with the solidity of bronze and the warm colour of the pink Assisi stone, is the precious and luminous symbol of eternal values. Svetlana's collaboration and friendship with Franco Prosperi has put in motion a twinning project between Assisi and St. Petersburg, already become sisters and friends in the artistic field. Even the sculpture by the Artist from Assisi expresses a special energy, the Gravity of human as well as aesthetic values ​​in the impulse towards spaces full of beauty.
The pink stone of Mount Subasio, magnificent but hard and difficult, has been neglected by the sculptors in the last centuries, but learning to sculpt it again will be the aim of international courses that Melnichenko and Prosperi will hold at the Art Residence Pro Vobis for students and teachers of Art Academies and sculptors in general who will add to their curriculum a significant and rare title and competence.

We can recognize ourselves in the image of Francesco by Grace Barraza-Vega, in his boy's features and hands caressing a white cat; the Saint's skin has the color of the sun and of the grain and his face is turning blue, the color of the sky in a metaphor of the identity of man and nature.

The rose-fingered dawn caresses the world, as it has always done long before the quoted Homer. The silence that emanates from Debbie Cannatella's painting is the silence of time, where the great revolutions make no noise and everything, the house, the lawns, the trees, the hills, find a place peacefully in the infinite space.

A profound mystery lies within the work by Claudio Carli. His brush explores it by means of thousands and thousands of signs without being able to reveal it, but makes us feel the strength of the ancient root. It is this root that knows that mystery and tells it in its own language making us feel the limits of our own.

The pure volumes of Hisu Choi's sculpture invite us to caress them by our eyes and to perceive the softness evoked by our hands. Femininity is brought to an absolute abstraction so that it becomes the genesis of life itself which grows by absorbing light and air.

In the ancient wall there are two doors, a narrow and low one and a wide and high other, which open onto the blue. Pippo Cosenza creates a poetic metaphor of life, the possibility of choices aiming for unknown skies in the concrete of daily life. Three figures, like a tripartite divinity, stand as oneiric and silent enigmas.

The rationality of Mariette Egretau, her esprit de géometrie, analyzes the details of the bow of a boat and its colored buoys, but it is the play of reflections on the water that fills the canvas, the iridescent path of colors on the glossy and mobile surface that recalls the hypnotic deception that killed Narcissus.

The still life by Luigi Frappi, in its perfection and beauty, has the power of a cry. The split watermelon pulp, so torn, emerges from a metaphysical darkness, telling of still open wounds and of innocent proud solitudes.

Barbara Hammond's landscape, a rocky and rough place, seems to tremble under a perfectly blue sky. A profound life has been infused by the passionate hand of the Artist who carves the sheet with dynamic color thicknesses to obtain corrosive and mysterious reverberations.

The metropolitan street painted by Arnhild Kart leads to an unknown destination, as white as the unfathomed future or perhaps as nothingness, opening a chasm between high glass walls and darting like the luminous trail left by an icy fleeing comet.

Bruno Marcelloni's canvas creates a space of soft and deep darkness. Looking at it, one loses the sense of dimension so that it could be as immense as the cosmic space in pursuing the impression of an arcane light hidden inside.

Franco Prosperi unleashes his baroque fantasy by creating sensual aerial swirls on which, however, conflicting elements rely. The base suggests the showcase of an ancient reliquary. It radiates a sense of sacredness, where the vital and imaginative energy has consciously mystical roots.

The clouds sketched by Umberto Raponi, each of a different color and marked with an alphabetical letter, make their way into the cutout of a sheet of paper revealing their nature. The two lit matches are not a threat, as they too are part of the ironic game of fantasy. But that game may hide a real threat.

The woman Neva Rossi paints is only made of color, her existence is due to the light that bounces off the colored surfaces. The image expresses a reflection on the impalpable consistency of being or  the solidity of dreams.

The landscape in Christopher Ryan's photography is so clean and beautiful that it seems unreal; the shadows of the clouds depict areas of gray on the earth and their white forms drive our eyes to the immensity of the sky.

Even after so many years living here, Umbrian landscape still surprises Alison Ryde for its beauty: a medieval village climbing a hill, the dark green of the woods, the slender silhouettes of cypress trees, the silvery foliage of olive trees. The one in the foreground looks like a magical light on the fresh green of the lawn.

Joycelyn Schedler's broad blue brushstrokes run along the canvas like big waves, but the tall fir leads back to the earth. The blue creates profiles of hills and shadows of valleys on the surface of an indefinable rose that is typical of dry and plowed land and of walls full of history.

Nina Schenck condenses her experience at Art Residence in the image of the garden staircase. A caressing light emphasizes the stones and flowers and the wood of the handrail. The freshness of the work made en plein air preserves and transmits the scents, the sounds and the breeze in a joyful memory.



Franco Prosperi con Rita Castigli

Svetlana Melnicheno, Rino Della Bina e Rita Castigli


Svetlana Melnichenko

Svetlana MelnichenkoSvetlana Melnichenko

Svetlana MelnichenkoSvetlana Melnichenko

Svetlana MelnichenkoSvetlana Melnichenko

Franco ProsperiFranco Prosperi

Arnhild KartArnhild Kart

Bruno Marcelloni

Nina Schenk

Mariette Egreteau